Загадки известных картин
Среди известных произведений искусства довольно весомую нишу занимают картины знаменитых художников. Каждая из них содержит что-то необычное и тайное. И смотря на них, мы открываем для себя новые детали и секреты. Сегодня расскажем о секретах гениальных полотен, собрав для вас занимательные факты.
1. «Ночная терраса кафе», Винсент Ван Гог (1888)
Ван Гог не оставил загадок о происхождении этого произведения. Он сам подробно описал его секрет в письме своей сестре, объяснив, почему принципиально не стал использовать чёрный цвет, даже несмотря на то, что писал городской ночной пейзаж.
Для него ночь была не временем тьмы, а моментом, наполненным полной жизнью и цветом. Он хотел показать, как живёт улица, как золотой свет кафе разрезает сумерки, как небо наполнено глубокими синими и фиолетовыми оттенками.
2. «Неизвестная», Иван Крамской (1883)
Одна из самых загадочных картин русской живописи. Крамской намеренно не раскрыл, кто позировал для портрета, и поэтому вокруг работы появились десятки версий. Наиболее распространённые из них предполагают, что моделью могла быть княгиня Екатерина Юрьевская - вторая морганатическая супруга Александра II, крестьянка Матрёна Саввишна (курянка, которая вышла замуж за дворянина Бестужева), лезгинка из Кусары (девушка яркой южной внешности, которую художник мог встретить в Петербурге).
Все эти версии до сих пор остаются предположениями. Автор стремился показать не конкретную женщину, а «тип современной красавицы» - уверенной, независимой, грустной и непонятной окружающим. Это сочетание гордой осанки, холодного взгляда и полной тайны биографии сделало полотно одним из самых обсуждаемых портретов эпохи.
3. «Мир Кристины», Эндрю Уайет (1948)
Под видимой простотой холст кажется обыденной сценой: девушка лежит на траве и смотрит на дом, будто отдыхая на природе. Но за этой красотой скрывается совсем другая история.
Моделью стала соседка автора - Анна Кристина Олсон. Она болела тяжёлым нервно-мышечным заболеванием и не могла ходить. Женщина передвигалась, подтягивая себя руками по земле. Именно это Уайет и увидел однажды в поле.
Он не стал изображать болезнь напрямую, а показал силу, решимость и внутренний мир человека, который живёт иначе, чем большинство, но продолжает двигаться вперёд.
4. «Впечатление. Восходящее солнце», Клод Моне (1872)
Критики в XIX веке были беспощадны: полотно называли «незаконченным», «грязным», «любительским». Но благодаря ему появилось само слово «импрессионизм».
Моне не пытался чётко прорисовывать детали. Он хотел передать мимолётность момента, свет, воздух, дрожащий отблеск солнца, сосредоточив свой сюжет на восприятии и эмоциях.
Впоследствии Клод Моне вспоминал: для каталога выставки нужно было название, а «Вид Гавра» было неудачным. Тогда он сказал: «Напишите - "Впечатление"». С этого слова и началось новое направление в искусстве, а его творение стало важным произведением в истории.
5. «Воскресный день на острове Гранд-Жатт», Жорж Сёра (1884)
Считающаяся одним из самых ранних примеров пуантилизма, эта картина Жоржа Сёра, написанная в XIX веке, изначально получила неоднозначные отзывы, но теперь стала символом неоимпрессионистского движения (пуантилизма).
Несмотря на невероятную дисциплинированность в личной жизни, мастер ломал границы и навсегда изменил историю искусства своими бунтарскими техниками. Сегодня это полотно, как и многие другие его творения, созданные с помощью крошечных точек и мазков основными цветами спектра (красным, синим и жёлтым), почитается как шедевр.
6. «Крик», Эдвард Мунк (1893)
На самом деле холст выглядит иначе, если знать, что Мунк перенёс на полотно своё личное переживание.
Он писал, что однажды шёл по дороге, когда небо окрасилось в красные и жёлтые оттенки - и ему вдруг показалось, будто «природа испустила бесконечный громкий крик».
Эдвард попытался передать то чувство тревоги, которое накрыло его в тот момент. Взрывные линии вокруг фигуры - это словно вибрация воздуха, а уродливый силуэт - отражение того, как мастер кисти чувствовал самого себя.
7. «Девочка с персиками», Валентин Серов (1887)
Одно из самых узнаваемых произведений русской живописи было написана в усадьбе Абрамцево, доме Саввы Мамонтова, который тот приобрёл у дочери писателя Сергея Аксакова в 1870 году. Там Серов часто гостил, работал и общался с художниками и музыкантами.
На портрете изображена 11-летняя Вера Мамонтова, дочь хозяина усадьбы. Летом 1887 года девочка, как вспоминали очевидцы, вбежала в дом, взяла персик и села за стол. Серов, которому было всего 22 года, увидел в этом движении живой, неподдельный момент и предложил ей позировать. Он рисовал её почти два месяца, ежедневно, что для ребёнка было очень непросто.
Серов позже вспоминал о работе так:
«Всё, чего я добивался, - это свежести, той особенной, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил её, бедную, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности - вот как у старых мастеров».
Готовый холст был подарена Елизавете Григорьевне Мамонтовой, матери Веры, и долгое время висел в её комнате. Позже Репин признавался, что был поражён тем, как Серову удалось передать чистый и прозрачный свет в комнате. Судьба самой Веры сложилась трагически - она умерла в молодом возрасте.
Полотно сегодня хранится в Третьяковской галерее.
8. «Дама с горностаем», Леонардо да Винчи (1489)
Многие годы историки спорили: действительно ли автор этого шедевра Леонардо? Сомнения вызывали следы позднего перекрашивания и подпись, появившаяся значительно позже создания произведения.
Но в 2012–2014 годах работа прошла подробнейшую техническую экспертизу, во время которой анализировали слои красок, манеру письма, материалы.
Результат оказался однозначным: оригинальный живописный слой и техника полностью соответствуют стилю Леонардо. Сомнения исчезли - перед нами подлинник великого мастера.
9. «Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк (1434)
Кто изображён на картине - известно: купец из Лукки Джованни Арнольфини и его жена. А вот зачем им понадобилось заказывать такой портрет - остаётся тайной.
Каждая деталь здесь наполнена символами: фрукт на подоконнике, собачка у ног, зеркало, на котором видно два силуэта.
Историки искусства предполагают: это могла быть и свадебная церемония, и клятва друг другу, и способ подчеркнуть богатство семьи. А возможно, и всё сразу.
10. «Георгиевский монастырь. Мыс Фиолент», Иван Айвазовский (1846)
Одна из ранних и наиболее значимых работ Айвазовского, посвящённых Крыму. На картине изображён Свято-Георгиевский монастырь, расположенный на отвесных скалах мыса Фиолент. Внизу, под крутыми утёсами, открывается вид на тёмное море, над которым поднимается луна.
Работа особенно известна своим выразительным световым эффектом. Художник изобразил отражение ночного светила, которое идёт от горизонта к берегу, освещая поверхность воды необычным образом: лунная дорожка как будто бы двигается за человеком вместе с взглядом. Такой визуальный феномен скользящей луны связан с тем, как отражается её свет на волнах под разными углами, и Айвазовский мастерски передал его на холсте.
11. «Поцелуй», Густав Климт (1908)
После серии росписей для потолка Венского университета автора буквально разорвали критики. Его творчество сочли слишком откровенным. Но Климт рискнул и начал новый проект, который позже стал одним из самых знаменитых в мире.
«Поцелуй» так впечатлил публику, что музей Бельведер купил произведение искусства ещё до завершения работы - причём за огромную по тем временам сумму. Именно этот холст вернул Климту признание и изменила его судьбу.
12. «В Мулен Руж», Анри де Тулуз-Лотрек (1893)
Анри с детства страдал редким заболеванием, из-за которого его рост остановился, а кости стали ломкими. Из-за внешности он рос изолированным от сверстников и поэтому особенно остро чувствовал судьбы тех, кого общество считало «не такими, как все».
В кабаре он нашёл своё место, среди артистов заведения, танцовщиц, маргиналов, людей, которым негде было быть собой, кроме ночных заведений.
В отличие от многих живописцев того времени, Лотрек не делал из них карикатуры. Он писал их настоящих - ярких, интересных, живых.
13. «Американская готика», Грант Вуд (1930)
Эта картина была вдохновлена небольшим домом из городка Элдон в штате Айова, США. Вуд заметил его во время поездки и решил представить, кто мог бы там жить. Не зная реальных жителей, художник создал воображаемых персонажей. Забавный факт: он использовал для творения знакомых и близких людей. Мужчина списан с его стоматолога, а женщина - с его собственной сестры.
14. «Сын человеческий», Рене Магритт (1964)
Как и многие вещи Магритта, это полотно до сих пор вызывает споры. Его иногда связывают с религиозными мотивами, хотя прямых подтверждений этому нет. Сам художник только усиливал таинственность. Он говорил:
«Всё, что мы видим, скрывает что-то другое, мы всегда хотим видеть то, что скрыто тем, что мы видим. Существует интерес к тому, что скрыто и что видимое нам не показывает. Этот интерес может принимать форму довольно интенсивного чувства, своего рода конфликта, можно сказать, между видимым, которое скрыто, и видимым, которое представлено».
Этот принцип и стал основой холста с яблоком, скрывающим лицо.
15. «Библиотекарь», Джузеппе Арчимбольдо (1562)
Арчимбольдо прославился своими необычными портретами философской карикатуры, составленными из предметов: фруктов, цветов, рыбы - и, как в этом случае, книг. Считается, что «Библиотекарь» изображает историка и гуманиста Вольфганга Лазиуса.
Но среди искусствоведов до сих пор ведутся споры: одни видят в «Библиотекаре» уважение к учёным, другие считают, что полотно - сатира на людей, которые любят книги лишь как предметы, но не читают их.
16. «Постоянство памяти», Сальвадор Дали (1931)
Одна из самых известных работ сюрреализма 20 века. Дали исследовал, как время, воспоминания и реальность изменяются в снах.
Искусствовед Дон Адес писала:
«Мягкие часы - это бессознательный символ относительности пространства и времени, сюрреалистическое размышление о том, как рушится привычное представление о стабильном устройстве мира».
Произведение искусства показывает интерес живописца к тому, как человеческий мозг воспринимает действительность и её искажения.
17. «Послы», Ганс Гольбейн Младший (1533)
На картине XVI века изображены французский дипломат Жан де Дантвиль и католический епископ Жорж де Сельв. Однако это не просто двойной портрет, а настоящий шедевр натюрморта.
Ганс Гольбейн Младший добавил множество предметов: глобус, книги, музыкальные инструменты, измерительные приборы. Каждый из них имеет глубокий смысл. Из-за этого она стала объектом обсуждений на протяжении столетий. Самым странным элементом остаётся искажённый рисунок черепа - знаменитая анаморфоза, видимая только под определённым углом (например, если смотреть сбоку).
18. «Девушка с жемчужной серёжкой», Ян Вермеер (1665)
В отличие от портретов, «Девушка с жемчужной серёжкой» относится к художественному жанру «трони» - он изображает анонимных моделей, фокусируясь на необычном выражении лица или костюме, и получил широкое распространение в Голландии.
Поэтому о девушке на холсте почти ничего не известно: Вермеер не стремился создать её точный образ. Некоторые исследователи предполагают, что моделью могла быть его дочь или сестра, но убедительных данных об этом нет.
19. «Мона Лиза», Леонардо да Винчи (1503)
Принято считать, что на картине изображена Лиза дель Джокондо, итальянская аристократка, супруга флорентийского торговца шёлком Франческо дель Джокондо. Заказ был связан с важным событием в её семье, но Леонардо так и не передал творение заказчику - он хранил её всю жизнь.
Почему он так поступил, историки спорят до сих пор: существуют версии о привязанности к «Моне Лизе», её незавершённости или желании художника-графика продолжать дописывать её годами.
20. «Спальня в Арле», Винсент Ван Гог (1888)
Это одна из самых известных работ Ван Гога, и одна из самых личных. Он изобразил своё собственное жилище, желая передать ощущение мира и покоя.
В письме брату живописец подробно описывал процесс: он сознательно выбрал необычные цвета, чтобы создать атмосферу умиротворения. При этом шедевр был написан в сложный период жизни - автор несколько дней был прикован к постели из-за болезни, и искусство стало способом сохранить внутреннее равновесие.
21. «Обнажённая, спускающаяся по лестнице № 2», Марсель Дюшан (1912)
Неожиданно для Дюшана, работа была резко раскритикована кубистами. Её сочли «слишком футуристической».
Один график даже заявил: «У меня в ванной есть отличный половик навахо, который куда лучше соответствует теории кубизма, чем это произведение».
Со временем отношение изменилось: сейчас это одна из знаковых картин модернизма.
22. «Drawing XIII», Джорджия О’Киф (1915)
О’Киф известна своими графическими работами углём, выполненными в начале XX века. На фоне модных тогда геометрических форм её плавные, органичные линии сильно выделялись среди остальных произведений того времени.
Фотограф Альфред Стиглиц был настолько впечатлён, что без разрешения выставил её рисунки в своей галерее. Она возмутилась, но всё же согласилась оставить их на выставке. Так и началась её художественная карьера.
23. «Тридцать две банки супа Кэмпбелл», Энди Уорхол (1962)
Серия холстов Уорхола мгновенно стала символом поп-арта. Мастер хотел стереть границу между массовой продукцией и «высоким» искусством, а также заставить зрителей задуматься, что вообще считать таковым.
Так он доказал, что самые банальные и даже вульгарные атрибуты современной цивилизации могут при перенесении на холст стать Искусством.