Три принципа художника Фомирякова

Совсем недавно в тихой музейной квартире Моисея Спиридонова открылась неожиданная выставка: яркие холсты, еще пахнущие свежей краской, неожиданные образы, а то и вовсе абстрактные композиции, казалось бы, совсем не близки к тому, что делал основоположник чувашского профессионального изобразительного искусства. Автор, художник-этнофутурист Георгий Фомиряков, назвал ее «У источника» — не только по названию «главной» картины, но и потому, что для него эта встреча с предшественником — возможность вернуться к началу, обозреть весь большой пройденный путь и поговорить о перспективах.
Еще в 1945 году Моисей Спиридонович писал, что чувашское искусство должно обрести национальную форму. В многочисленных текстах к альбому «Чувашский орнамент», над которым художник работал всю жизнь, он обращает внимание прежде всего на эстетическую ценность произведений народного искусства: их тонкую гармонию, самобытность, изысканный колорит. Спиридонов считал, что эти предметы не должны пылиться на музейных полках как памятники отжившего прошлого, что узоры, их украшающие, могут обрести вторую жизнь в повседневном быту современного человека — и прославить имя Чувашии за пределами республики и Советского Союза.

Георгий Фомиряков на сегодняшний день один из немногих авторов, которые продолжают поиски в этом направлении. Его работа строится на трех базовых принципах. Первый и главный — опора на материальное и духовное наследие чувашского народа. Она может проявляться в использовании характерного колорита или орнаментов чувашской вышивки, знаковых для культуры символических образов, в обращении к начертанию и звучанию чувашских слов, в диалоге с чувашскими художниками-предшественниками.
Второй принцип — адаптация, творческое переосмысление этого наследия с учетом всего багажа приемов и методов, наработанных в ходе истории искусства, обширного арсенала современных техник.
Ну и третий — утилитарность создаваемых произведений (конечно, в той мере, какая возможна применительно к станковой живописи). Они должны и могут жить в интерьерах квартир и офисов, ресторанов и банков, работать в качестве необычных и привлекательных вывесок или воплощаться в виде муралов на стенах городских зданий — наполнять пространства, личные и общественные, духовными смыслами, близкими чувашскому народу. И, конечно, создавать неповторимый, уникальный, узнаваемый облик места.
И все же основная задача выставки не столько в том, чтобы продемонстрировать достижения автора (это художник не раз делал и на более масштабных площадках), сколько в приглашении к диалогу: как нам сегодня на практике обогатить городскую среду, сделать так, чтобы интерьеры наших домов и офисов, общественные здания, площади, улицы приобрели большую индивидуальность и обзавелись национальным колоритом?
Первый из таких разговоров состоялся прямо на открытии. Собравшиеся гости — министр культуры Чувашии Светлана Каликова, председатель Союза женщин республики Наталья Николаева, языковед и публицист Атнер Хузангай, тележурналист Валентина Поливцева, руководитель Агентства уникальных путешествий «Городские легенды» Анна Казанцева, дизайнер Мария Сувар — обсуждали перспективы применения этнофутуристического метода в оформлении городской среды и дизайне общественных пространств.
Валентина Поливцева, которая в связи с работой над фильмами много путешествует по России, заметила, что городов с ярко выраженной национальной идентичностью немного, но те места, где она присутствует (как, например, Ханты-Мансийск) впечатляют своим обликом и особенно запоминаются.
Анна Казанцева — она много взаимодействует с туристами и хорошо представляет их запросы — утверждает, что именно уникальная национальная составляющая в живописи, архитектуре, дизайне и интересует гостей в первую очередь: «Соцреализм и академическую классику можно увидеть везде, а здесь люди хотят встретить что-то особенное, свое».
Светлана Анатольевна как министр, которого волнуют стратегические аспекты развития культуры, задалась вопросом, какие цели мы преследуем, привнося духовное и материальное наследие предков в современную жизнь: «Что должен видеть ребенок, который в этом городе живет в окружении этих символов? К чему мы хотим призвать молодое поколение? Как мы хотим, чтобы молодежь это воспринимала — как легенды, как сказку или как веру, к которой человек сегодня должен обратиться?»
На это художник ответил, что эти знаки — метафора, отражающая национальные ценности, а никак не религиозный призыв. «Символы, которые были понятны человеку 100-200 лет назад, современному человеку уже недоступны, нужно перевести их на язык современного искусства. И важно показать, особенно молодежи, что этот город может быть интересен другим, привлекательным для жизни. Что здесь можно и зарабатывать, и быть востребованным профессионалом».
В ходе обсуждения собравшиеся пришли к выводу, что одна из основных проблем — нехватка взаимодействия между архитекторами, дизайнерами-практиками, которые занимаются оформлением городской среды, и художниками.
Как пояснила Мария Фомирякова, дизайнер и дочь Георгия Геннадьевича, у формирования предметного мира должен быть определенный порядок: «Художники, поэты, писатели — они создают смыслы, на основе которых предметники создают вещественный мир — отделочные материалы, кирпичи, мебель. И уже на основе этого архитекторы и дизайнеры делают конкретные интерьеры. И так как художники — это первая ступень, то именно к ним должны обращаться за идеями, когда затевают большие проекты».
Итогом этого непростого разговора стало решение организовать серию встреч художника с теми, у кого есть возможность влиять на городскую среду: архитекторами и дизайнерами, рестораторами и художниками театра и, конечно, с самими горожанами, ведь менять пространство вокруг себя в силах каждого.